Millors dissenys gràfics de 2026

10 projectes de disseny gràfic que estan marcant el futur visual de 2025–2026

El disseny gràfic viu una etapa de profunda transformació. La intel·ligència artificial, la consciència ambiental, la inclusió i la tecnologia tipogràfica estan redefinint no només les eines, sinó també el propòsit de cada projecte. En un context global que busca l’equilibri entre la humanitat i el progrés digital, els millors treballs dels últims anys demostren que la creativitat continua sent el motor que dóna sentit a la innovació.

Des de identitats culturals que combinen tradició i modernitat fins a campanyes socials que qüestionen els valors actuals, el disseny es reafirma com a pensament crític i eina de canvi. Els premis internacionals —com els A’ Design Awards, els iF Design Awards o els Best Design Awards— no només reconeixen l’estètica, sinó també l’impacte i la coherència d’una idea ben executada.

A Code Barcelona hem seleccionat deu projectes excepcionals guardonats el 2025 i 2026: treballs que destaquen per la seva claredat conceptual, execució impecable i capacitat de connectar amb les persones. Són exemples de com el disseny contemporani pot ser alhora emocional, funcional i estratègic.

Aquests són els 10 projectes de disseny gràfic més inspiradors del moment —una selecció que reflecteix cap a on avança la comunicació visual global i per què el disseny segueix sent una disciplina clau per entendre el món que ve.

Culture to Technology Identity — Hefei High Tech Digital Technology Co., LTD.

https://competition.adesignaward.com/gooddesigner.php?profile=368190

Al cor d’Anhui, una província xinesa amb una herència cultural tan profunda com el seu esperit innovador, neix un dels projectes de disseny gràfic més rellevants de 2025: “Culture to Technology Identity”. Aquesta peça, concebuda com a cartell per a la zona d’alta tecnologia de Hefei, transforma un concepte complex —el pas d’una cultura mil·lenària cap a un futur científic— en una obra visual clara, simbòlica i elegant. Un exemple perfecte de com el disseny gràfic pot actuar de pont entre tradició i progrés.

El cartell parteix d’un gest senzill: la representació del caràcter xinès d’“Anhui”, emmarcat pels contorns clàssics de l’arquitectura de Huizhou. A partir d’aquí, la composició evoluciona. Les línies arquitectòniques es dissolen en traços de circuits electrònics, i el símbol cultural es converteix en metàfora tecnològica. Aquesta transició, executada amb una precisió gairebé artesanal, resumeix visualment l’evolució d’una regió sencera: del llegat al futur, del patrimoni a la innovació. Un disseny que no només s’observa, sinó que es llegeix com una narració.

La direcció artística, liderada per Ji Chao i Xu Ning, demostra una comprensió profunda de l’equilibri visual entre allò tangible i allò conceptual. L’ús dels blaus en degradat —símbol del Jiangnan, regió històrica on va florir la cultura de Huizhou— crea una atmosfera serena, gairebé poètica. En contrast, les línies de circuit, realçades amb vernís UV local, aporten brillantor i textura, evocant energia i precisió tecnològica. La combinació de totes dues capes construeix una identitat visual on l’ancestral i el digital no s’oposen, sinó que es complementen.

El més valuós d’aquest projecte no és només la seva execució tècnica impecable, sinó la capacitat de síntesi conceptual. En pocs centímetres quadrats, el cartell condensa una història cultural, un posicionament polític i una aspiració econòmica. El disseny respira modernitat sense renunciar a les arrels. En un país on la velocitat del desenvolupament tecnològic amenaça de diluir el simbolisme, aquesta obra retorna dignitat i sentit a la identitat visual pública.

L’equip de Hefei High Tech Digital Technology Co. resol amb subtilesa un repte complex: crear una fusió coherent entre els perfils arquitectònics tradicionals i les geometries digitals del circuit. Proporció, ritme i llum s’integren amb una disciplina gairebé arquitectònica. Res no sobra, res no interromp. El resultat és un disseny que sembla inevitable, com si la cultura i la tecnologia haguessin estat destinades a trobar-se en aquest punt exacte.

“Culture to Technology Identity” destaca no només per la seva qualitat estètica, sinó pel que representa: una nova forma de patriotisme visual, que celebra la modernització sense oblidar la història. Un recordatori que el disseny gràfic pot funcionar com a llenguatge diplomàtic, capaç de comunicar l’essència d’un lloc i la seva visió de futur. Entre tradició i modernitat, aquest projecte aconsegueix una cosa poc freqüent: equilibri, elegància i propòsit.

No Blanket Value — Social Value Aotearoa x Noa Blanket Co x Motion Sickness

Guardonat amb el Gold Award en la categoria Business Communication dels Best Design Awards 2025, el projecte “No Blanket Value” redefineix com el disseny pot donar forma tangible a un missatge social. Creat per Motion Sickness Design Office en col·laboració amb Noa Blanket Co per a Social Value Aotearoa, aquesta campanya qüestiona la manera com entenem i mesurem el valor dins la inversió d’impacte. Un exemple poderós de com el disseny pot ser eina de reparació cultural i diàleg contemporani.

En lloc de llançar un informe o una campanya mediàtica convencional, l’equip —liderat pels directors creatius Jordan Stent i Sam Stuchbury, amb Katene Durie-Doherty com a responsable cultural (Pou Taketake) i Patrick Hickley com a director de disseny— va decidir convertir una crítica en un objecte tangible: una manta teixida. En la història colonial d’Aotearoa (Nova Zelanda), les mantes van ser símbol d’intercanvi desigual, utilitzades pels colonitzadors per obtenir terres, recursos o taonga (tresors culturals). Aquí, la manta adquireix un nou significat: deixa de ser objecte de bescanvi per convertir-se en un gest de reciprocitat. No es regala: s’accepta. No representa pèrdua, sinó aliança.

L’execució de Noa Blanket Co, guiada per una pràctica arrelada en la cura, la comunitat i la integritat cultural, garanteix que l’objecte no sigui només una metàfora visual, sinó un símbol viu. Cada fibra teixida encarna una idea: la de mesurar el valor no pel capital, sinó pel compromís i la relació. La manta és, per si mateixa, una declaració ètica. No és un suport de comunicació: és la comunicació.

El llenguatge visual de la campanya és sobri, conscient i gairebé cerimonial. Fotografia de tons càlids, llum natural, textures palpables. La composició evita la retòrica publicitària i deixa que la presència de l’objecte parli per si sola. Aquest silenci deliberat té força. Perquè en un entorn on la comunicació corporativa es mesura pel soroll, “No Blanket Value” es mesura pel significat. És un projecte que no busca convèncer, sinó convidar a reflexionar sobre què valorem —i com ho expressem.

El jurat dels Best Design Awards 2025 el va definir com “una manera increïblement intel·ligent d’unir persones al voltant d’una causa, profundament vinculada a la història d’un país i a l’evolució del llenguatge del disseny contemporani”. No és cap exageració. Aquesta obra demostra que el disseny pot ser un pont entre economia i ètica, entre història i futur, entre símbol i acció. Una lliçó per a tots els que creiem que el disseny no només ha de comunicar, sinó també reparar, connectar i transformar.

“No Blanket Value” forma part d’una nova generació de projectes on la comunicació empresarial es fa més humana. L’equip —que també inclou Sylvia Humphries (copywriting), Joshua i Whakaawa Te Kani, Joseph McAlpine, Matthew Campher, Scott Hardy, Oliver Johnston i James Gibb— ha aconseguit una fita més gran que un premi: demostrar que quan el disseny es teixeix amb propòsit, pot canviar la manera com una societat entén la paraula “valor”.

Love Creep — Clemenger BBDO x Assembly Ltd x Ministry of Social Development

https://bestawards.co.nz/graphic/colour-award-graphics/clemenger-bbdo-1/love-creep-5/

Guanyador del Colour Award Graphics als Best Design Awards 2025, “Love Creep” és una de les campanyes més impactants i valentes de l’any. Creada per Clemenger BBDO i Assembly Ltd per al Ministeri de Desenvolupament Social de Nova Zelanda, el projecte forma part del programa Love Better, una iniciativa nacional dirigida a joves per ensenyar-los a reconèixer els senyals del control coercitiu en les relacions afectives. El seu objectiu és tan clar com urgent: transformar el llenguatge visual de l’amor per fer-lo més conscient, més honest i més segur.

El context cultural no podria ser més alarmant: Nova Zelanda té l’índex més alt de violència domèstica de tot el món desenvolupat; una de cada tres dones pateix abús en algun moment de la seva vida. En aquest escenari, “Love Creep” no només comunica, sinó que educa. Convida els joves a preguntar-se quelcom essencial: on acaba l’amor i comença el control?

L’equip creatiu —liderat per Brigid Alkema, Alex Metson, Julia Ferrier i Emily Beautrais com a directors creatius (Pou Auaha), juntament amb Jake Firman en la direcció estratègica (Pou Rautaki)— va desenvolupar una narrativa visual radicalment immersiva. L’experiència digital LoveCreep.nz utilitza un entorn mòbil de disseny intencionadament asfixiant, dominat per una sola idea cromàtica: el vermell. No hi ha matisos, no hi ha descans visual. Tot vibra en la tensió entre el desig i el perill. L’amor i l’advertència comparteixen el mateix color.

El vermell, omnipresent en cada peça —lloc web, curts, xarxes socials, cartelleria urbana—, actua com a metàfora i detonant. És el fil conductor que uneix emoció i alarma. Inspirada en el brutalisme arquitectònic, la direcció d’art prescindeix d’ornaments per deixar visible la cruesa del tema. L’estètica aspra, els blocs de color intensos i la tipografia directa generen una sensació d’incomoditat buscada: el disseny no sedueix, incomoda per despertar. L’amor, aquí, no és suau ni idealitzat; és un terreny on pot aparèixer la violència si no es reconeix a temps.

L’estratègia digital transforma l’educació emocional en una experiència interactiva. A través dels anomenats “Love Bites” —frases i fragments recollits d’entrevistes amb centenars de víctimes i supervivents— els usuaris poden identificar patrons de control i reflexionar sobre la seva pròpia conducta. No se’ls diu què està bé o malament: se’ls convida a descobrir-ho per si mateixos. Aquest enfocament empàtic converteix la campanya en un exercici d’autoconsciència col·lectiva. El disseny deixa d’instruir per començar a acompanyar.

Els resultats parlen per si sols. En els mesos posteriors al llançament, va augmentar un 5% la quantitat de joves capaços d’identificar comportaments de control en les seves relacions i es va reduir en un altre 5% el nombre dels qui els normalitzaven. Les trucades a Youthline —una línia de suport per a joves— van créixer amb una nova pregunta en comú: “Estic sent controlador sense adonar-me’n?”. Des de llavors, LoveCreep.nz s’ha incorporat com a eina educativa en instituts de tot el país. L’impacte del disseny va transcendir la pantalla per convertir-se en una conversa nacional.

El jurat dels Best Design Awards va destacar el projecte pel seu “ús magistral del color com a llenguatge narratiu i emocional” i per la seva capacitat per “traduir un problema social complex en una experiència visual visceral”. En un panorama on moltes campanyes socials busquen suavitzar els seus missatges, “Love Creep” tria la intensitat, el risc i la incomoditat com a formes de veritat. I ho aconsegueix. Perquè a vegades, l’amor necessita un mirall vermell per reconèixer-se.

Xijiu Matured Liquor — Chengdu Times Fashion Art Design Co., Ltd.

Guanyador del Platinum A’ Design Award 2025 en la categoria Packaging Design, “Xijiu Matured Liquor” representa la síntesi perfecta entre art, cultura i disseny contemporani. Concebut per Chengdu Times Fashion Art Design Co., Ltd., aquest projecte eleva l’envàs de licor a la categoria d’obra cultural. En un mercat dominat per la producció en sèrie, aquesta peça reivindica el disseny com un acte de memòria i equilibri.

Inspirat en una peça icònica del Palace Museum de Beijing, el disseny pren com a punt de partida la forma del tambor circular, símbol ancestral de plenitud i harmonia en la cultura xinesa. A partir d’aquesta geometria perfecta, l’envàs es converteix en una metàfora del temps, la natura i el cicle vital. La seva silueta arrodonida, suau i equilibrada, comunica una serenitat gairebé filosòfica: el luxe entès no com a ostentació, sinó com a equilibri entre el visible i l’etern.

L’equip creatiu —Xiaohu Feng, Xian Huo i Lei Wang— aconsegueix reinterpretar l’herència clàssica des d’una sensibilitat contemporània. Les inscripcions làser que indiquen els anys de maduració (15 i 30) es despleguen en forma de cintes que semblen flotar, un gest poètic a la tradició dels literats que bevien licor mentre escrivien versos al costat dels rius. Cada traç uneix els sentits: la vista, el tacte i l’olfacte. És un disseny que no només es mira, sinó que es experimenta.

El tap, amb forma auspiciosa Sihe Ruyi, representa la concòrdia entre temps, lloc i persones. La seva obertura suau afegeix un component ritual a l’experiència de l’usuari. A l’interior, una il·lustració en estil xilogràfic mostra el paisatge del riu Chishui —bressol del Xijiu— juntament amb els ingredients naturals del licor. Tot el conjunt transmet una sensació d’herència viva: una història que continua a través del disseny.

El projecte supera el repte d’equilibrar la tradició artesanal amb l’elegància contemporània. No busca ser modern: busca ser etern. Davant la tendència del minimalisme global, “Xijiu Matured Liquor” abraça la complexitat simbòlica i la riquesa visual com a formes de veritat estètica. La circularitat, omnipresent, no és només una forma: és una filosofia. Representa la unió entre passat i futur, entre cultura i desig, entre matèria i emoció.

El jurat del A’ Design Award 2025 va reconèixer l’obra com un exemple magistral de “fusió entre art cultural i disseny industrial”, destacant la seva atenció al detall, el seu simbolisme i la seva execució tècnica impecable. Aquest projecte no només protegeix un producte, sinó que preserva un llegat. És una prova que el packaging, quan es concep amb sensibilitat i propòsit, pot transcendir la seva funció comercial i convertir-se en una peça de patrimoni cultural.

Mercado Novo — Greco Design

Guanyador del iF Gold Award 2025 en la categoria Communication & Branding, el projecte “Mercado Novo” de Greco Design reinterpreta un icona arquitectònic de Belo Horizonte per convertir-lo en una identitat viva, flexible i profundament brasilera. El Mercado Novo, construït als anys 60 com a símbol del modernisme urbà, havia caigut en l’oblit fins al seu renaixement el 2018 com a epicentre cultural. Avui, la seva nova identitat visual celebra aquesta transformació: del comerç a la convivència, del mercat al moviment.

L’equip de Greco Design va afrontar un repte complex: capturar l’energia contemporània d’un espai on coexisteixen gastronomia, art, música i disseny, sense perdre la memòria del seu passat. La resposta va néixer en els cobogós, els característics blocs perforats de ceràmica que formen la façana de l’edifici. Aquests elements, típics de l’arquitectura brasilera, generen una dansa de llums i ombres al llarg del dia. Aquesta geometria canviant es va convertir en l’essència del nou sistema visual: un patró que evoluciona amb el temps, com ho fa el propi mercat.

La identitat s’articula a través d’una retícula modular inspirada en els cobogós. Cada quadrícula pot adaptar-se a diferents suports —des de rètols fins a peces digitals— i permet generar infinites combinacions gràfiques. El color té un paper central: una paleta que reflecteix les diferents hores del dia, des dels tons càlids de l’alba fins als blaus i taronges del capvespre sobre Belo Horizonte. D’aquesta manera, el logotip i les seves variants funcionen com un rellotge visual, una metàfora del pas del temps i de la vida col·lectiva que batega dins de l’edifici.

El jurat del iF Design Award va destacar que la identitat “encarna la fusió perfecta entre comunitat, arquitectura i natura”, i va reconèixer el seu ús magistral d’un enfocament generatiu que adapta les formes del mercat a contextos culturals, climàtics i socials canviants. No es tracta només d’un redisseny: és una interfície entre el físic i l’emocional, entre l’estructura arquitectònica i l’experiència humana.

El Mercado Novo funciona avui com un node cultural que connecta passat i present. La seva nova identitat no imposa una imatge, sinó que proposa un sistema obert, en el qual cada peça gràfica és una interpretació possible del mateix esperit. Així, el mercat es converteix en una plataforma visual on conviuen l’artesanal i el digital, el local i l’universal. És una lliçó de com el disseny pot preservar la memòria i, al mateix temps, impulsar el futur d’una comunitat.

Aquest projecte demostra que el branding cultural pot ser molt més que una operació estètica: pot ser una eina de revitalització urbana. La marca de Mercado Novo no només representa un lloc, sinó que amplifica una forma de vida. En paraules del jurat: “Un projecte que respira el pols del Brasil i tradueix la seva energia col·lectiva en un llenguatge visual atemporal”.

https://ifdesign.com/en/winner-ranking/project/recicla-sampa/714880

Recicla Sampa — D4G Comunicação e Design

Guanyador del iF Design Award 2025 en la categoria Service Design, Recicla Sampa s’ha consolidat com la plataforma d’educació ambiental més gran del Brasil. Creat per les concessionàries de gestió de residus Loga i EcoUrbis amb el suport del govern de São Paulo, el projecte redefineix la manera en què una metròpoli de més de vint milions d’habitants es relaciona amb els seus residus.

El moviment Recicla Sampa neix d’una urgència: transformar la relació entre ciutadania i consum enmig d’una crisi ambiental global. Més que una campanya de conscienciació, és un sistema de comunicació i serveis que educa, connecta i facilita l’acció sostenible. A través d’una plataforma digital, els usuaris poden accedir a informació pràctica sobre separació de residus, punts de reciclatge, continguts educatius i dades actualitzades sobre la gestió urbana dels residus.

L’equip de D4G Comunicação e Design va dissenyar una experiència que combina pedagogia, tecnologia i disseny social. La interfície intuïtiva, els recursos visuals clars i un to accessible permeten que el missatge arribi a públics diversos — des d’estudiants i famílies fins a empreses i organismes públics. El disseny del servei no es limita a l’entorn digital: es complementa amb campanyes urbanes, material educatiu i accions presencials que reforcen la consciència ambiental en la comunitat.

Un dels majors èxits del projecte és el seu impacte mesurable. Des del seu llançament, Recicla Sampa ha incrementat el volum de residus reciclables a São Paulo i ha enfortit la col·laboració entre ciutadania, govern i concessionàries. El seu enfocament estratègic demostra que el disseny pot ser una eina poderosa per a la transformació social, capaç de traduir dades complexes en accions quotidianes i sostenibles.

El jurat del iF Design Award va valorar especialment la coherència entre propòsit, forma i funció. Cada element de l’experiència —des de l’arquitectura d’informació fins a la identitat visual— està pensat per inspirar un canvi de comportament real. En paraules de l’equip de D4G, “educar sobre reciclatge no és només informar, sinó generar orgull i pertinença al voltant d’una ciutat més neta i conscient”.

Recicla Sampa representa una nova generació de disseny de serveis públics: projectes on la tecnologia es posa al servei de les persones, i el disseny actua com a pont entre institucions i ciutadans. En un país de dimensions continentals, el seu impacte transcendeix São Paulo: s’ha convertit en un model replicable per a altres ciutats llatinoamericanes que busquen solucions sostenibles des de la comunicació i el disseny.

https://awards.europeandesign.org/winner/262593

Norwegian Logo — TRY / Apt

Guanyador del Silver Award 2025 en la categoria Company Logo, el redisseny de la marca Norwegian Airlines signat per TRY / Apt representa una renovació estratègica i emocional del sector aeri europeu. En un moment en què la pandèmia va transformar completament el panorama dels viatges de negocis i les aerolínies tradicionals lluitaven per redefinir-se, Norwegian va aprofitar l’oportunitat per reconstruir la seva identitat des de l’autenticitat i els valors nacionals.

La nova identitat parteix d’una idea clara: “A Fair Price Airline” i “The Norwegian Way”. Dos pilars que combinen honestedat, accessibilitat i orgull cultural. El disseny abandona els clixés nòrdics i els codis excessivament tècnics de la seva etapa anterior, apostant per una estètica moderna, càlida i humana que equilibra el local i el global. El resultat és una marca que projecta confiança, senzillesa i qualitat sense pretensions.

El logotip actualitzat manté el reconeixement de la marca original, però ha estat refinat per alinear-se amb aquesta nova filosofia. El traç es simplifica, els espais s’obren i el conjunt respira una claredat visual que reflecteix els valors escandinaus de precisió i transparència. El vermell, blau i blanc de la bandera noruega romanen com a base cromàtica, però la seva aplicació és més continguda, adaptant-se a entorns digitals i físics amb una elegància atemporal.

Una de les grans innovacions és la introducció d’una tipografia personalitzada desenvolupada per Kanon Foundry, dissenyada per reflectir la claredat, la senzillesa i la calidesa de l’idioma visual noruec. Aquesta font, combinada amb un sistema d’il·lustracions orgàniques i expressives, reforça la personalitat de la marca: down to earth rebel, una rebel·lia tranquil·la que comunica proximitat sense perdre rigor professional.

El sistema visual s’ha concebut com flexible i coherent, capaç d’adaptar-se a múltiples suports —des de la senyalètica d’aeroports fins a les aplicacions mòbils— i de conviure amb elements anteriors en els fuselatges dels avions. Cada punt de contacte manté la mateixa veu: accessible, moderna i conscient. En paraules dels dissenyadors, “no es tracta només de volar, sinó de volar amb propòsit”.

El jurat va destacar la manera en què el redisseny redefineix la identitat d’una aerolínia nacional sense trencar amb el seu llegat, equilibrant herència cultural i ambició internacional. És una lliçó de com el branding corporatiu pot evolucionar cap a l’empatia sense perdre consistència, aconseguint una marca que se sent tan contemporània com duradora. Norwegian deixa així de ser una aerolínia més, per convertir-se en un símbol del disseny escandinau modern aplicat a l’experiència de marca global.

https://awards.europeandesign.org/winner/261176

Binde. 100–10 — Alexey Murashko

Guanyador del Gold Award 2025 en la categoria Artistic Catalogue, el projecte “Binde. 100–10” d’Alexey Murashko és una obra editorial monumental que celebra la trajectòria del fotògraf letó Gunārs Binde, un dels noms més influents de la fotografia europea del segle XX. La publicació, concebuda com un homenatge viu, combina estructura, materialitat i narrativa visual per construir un retrat múltiple: el de l’artista, el seu temps i la seva mirada.

El llibre sorgeix amb motiu del 90è aniversari de Binde i recull una vasta selecció de les seves fotografies, assaigs crítics i entrevistes inèdites. Davant una quantitat aclaparadora de material, Murashko va optar per una solució de disseny que organitza el contingut en cinc seccions, estructurades amb claredat i ritme físic. Cada bloc està separat mitjançant signatures grises impreses en paper de major gramatge, cosa que converteix el pas d’una secció a una altra en un gest tàctil, gairebé cinematogràfic.

L’obra s’obre amb una sèrie d’experiments fotogràfics impresos en plata sobre paper negre, un gest poètic a les substàncies fotosensibles que van donar origen a la fotografia analògica. Aquesta decisió no és només tècnica, sinó conceptual: situa l’obra de Binde en diàleg amb el segle XXI, evidenciant la seva vigència i la seva capacitat de reinventar-se al llarg del temps. Moltes d’aquestes imatges mai no havien estat publicades, afegint al volum un aire de descobriment.

Les tres seccions principals estan construïdes com un relat visual en tres actes: “El Binde conegut”, dedicat als seus cèlebres retrats, nus i fotografies eròtiques; “Mites i moments”, una exploració simbòlica de la ideologia, la religió i les tensions entre poder i natura; i “Cercle interior”, que reuneix retrats personals, autoretrats i escenes íntimes que revelen el costat més humà de l’artista. Cada sèrie s’identifica amb lletres llatines —una estructura oberta que suggereix la possibilitat de futures edicions i continuacions de l’arxiu.

El disseny editorial combina rigor tècnic i sensibilitat material. Les seccions textuals i assagístiques s’imprimeixen en paper no estucat amb doble tinta negra d’alta densitat, reforçant la llegibilitat i la relació tàctil amb la imatge. En contrast, les seccions fotogràfiques empren quadricromia sobre paper estucat amb vernís brillant, aconseguint un contrast extrem que recorda les fotocòpies platejades tan característiques de l’estil de Binde. Tot el volum es va imprimir amb ràster estocàstic, una tècnica que ofereix una definició excepcional fins i tot en miniatures, sense patrons visibles de trama.

El resultat és molt més que un catàleg: és una escultura impresa que equilibra pes, proporció i textura per retre homenatge a un artista l’obra del qual sempre va oscil·lar entre la ironia i la sensualitat. Tal com afirma l’equip editorial, “Binde. 100–10 no només documenta una carrera, sinó que la reinterpreta des de la contemporaneïtat, transformant la memòria en matèria viva”.

El jurat va elogiar la seva mestria tècnica i conceptual, subratllant com cada decisió de disseny —del paper a la tipografia— es posa al servei del relat fotogràfic. Aquest projecte demostra que el disseny editorial continua sent un dels llenguatges més potents per narrar l’art: un espai on la forma, el contingut i el temps dialoguen amb la mateixa precisió que la llum en una càmera fosca.

https://awards.europeandesign.org/winner/261324

Google Sans Flex — Studio Dumbar/DEPT®

El projecte es desenvolupa sota un concepte central: “Action and Reaction”. Cada interacció amb la tipografia genera una resposta única —un canvi de pes, color, moviment o fins i tot so— que posa a prova la flexibilitat de la font i el seu potencial com a sistema dinàmic. Lluny de limitar-se a una demostració tècnica, el treball de Studio Dumbar converteix la tipografia en un organisme viu, sensible al context i a la intenció del missatge.

El resultat és una exploració visual immersiva que demostra com la tecnologia variable pot transformar la identitat digital. A través d’animacions, modulacions i transicions tipogràfiques, l’equip va crear un llenguatge en constant mutació, on les lletres es comporten com a matèria en moviment. Cada peça del projecte és un estudi sobre la relació entre forma i resposta, on la tipografia deixa de ser estàtica per convertir-se en una experiència interactiva.

Aquesta experimentació també va tenir una dimensió sonora: en associar els canvis visuals amb estímuls auditius, l’estudi va generar un sistema multisensorial que reforça la idea d’acció i reacció. La tipografia, per tant, es comporta com una interfície, capaç de comunicar emocions i matisos de manera més profunda. El jurat va destacar precisament aquesta capacitat per transcendir la funció tradicional de la lletra i explorar noves formes de narrativa visual.

El treball de Studio Dumbar/DEPT® sintetitza dècades de recerca sobre el moviment tipogràfic, la identitat digital i l’animació gràfica. La seva interpretació de Google Sans Flex demostra que la tipografia del futur no serà només llegible, sinó també reactiva, adaptable i emocional. Aquesta visió encaixa amb la filosofia de Google Design, que busca expandir el paper del disseny com a pont entre comunicació i tecnologia.

Més enllà del laboratori tipogràfic, el projecte planteja una pregunta essencial per al disseny contemporani: com pot una font convertir-se en una experiència? La resposta està en aquest treball, que no només empeny els límits del disseny tipogràfic, sinó també els del pensament creatiu. En les seves pròpies paraules: “Flex no és només una tipografia. És una conversa entre el que diem i com ho mostrem.”

Conclusió: el disseny com a llenguatge del futur

Si alguna cosa uneix aquests deu projectes és la seva capacitat per mirar més enllà de la forma. Cadascun, des del seu context i disciplina, demostra que el disseny gràfic no és només una qüestió estètica, sinó una manera de pensar el món. Ja sigui una campanya social que desafia percepcions, una identitat visual que connecta generacions o una tipografia que reacciona al so, el disseny continua sent una eina per interpretar, connectar i transformar.

En un moment on l’automatització i la intel·ligència artificial semblen ocupar cada espai, aquests projectes recorden que l’essencial del disseny continua sent humà: l’empatia, la intenció i la capacitat d’explicar històries amb ànima. La tecnologia amplia les nostres mans, però és la sensibilitat la que dóna sentit al resultat.

El futur del disseny gràfic —aquest que ja estem construint— serà més híbrid, col·laboratiu i conscient. No importarà tant dominar una eina, sinó entendre com una idea pot generar valor real per a les persones i les comunitats. I en aquesta recerca, el rol del dissenyador es consolida com el d’un mediador entre el pensament i l’emoció, entre les dades i la bellesa.

A Code Barcelona seguim creient que el bon disseny no només comunica: evoluciona la cultura visual d’una època. Aquests projectes en són una mostra. Són senyals de cap a on va la creativitat contemporània i de com el disseny, en la seva millor versió, continua sent una forma d’esperança tangible.