Meilleurs designs graphiques de 2026

10 projets de design graphique qui façonnent le paysage visuel de 2025–2026

Le design graphique traverse une phase de profonde mutation. Intelligence artificielle, conscience écologique, inclusion et innovations typographiques transforment non seulement nos outils, mais aussi la finalité de chaque projet. Dans un monde en quête d’équilibre entre humanité et progrès digital, les réalisations les plus marquantes de ces dernières années prouvent que la créativité reste le moteur essentiel de l’innovation.

Des identités culturelles qui marient héritage et modernité aux campagnes sociétales qui interrogent nos valeurs, le design s’affirme comme un acte de réflexion critique et un levier de transformation. Les distinctions internationales — A’ Design Awards, iF Design Awards, Best Design Awards — ne récompensent plus seulement l’esthétique, mais aussi l’impact et la cohérence d’une idée aboutie.

Chez Code Barcelona, nous avons sélectionné dix projets d’exception primés en 2025 et 2026 : des créations qui se distinguent par leur clarté conceptuelle, leur exécution irréprochable et leur capacité à toucher le public. Ils illustrent comment le design contemporain peut être à la fois émotionnel, fonctionnel et stratégique.

Voici les 10 projets de design graphique les plus inspirants du moment — une sélection qui éclaire la direction prise par la communication visuelle mondiale et rappelle pourquoi le design demeure une discipline clé pour comprendre le monde de demain.

Culture to Technology Identity — Hefei High Tech Digital Technology Co., LTD.

https://competition.adesignaward.com/gooddesigner.php?profile=368190

Au cœur de l’Anhui, province chinoise à l’héritage culturel aussi riche que son appétit pour l’innovation, est né l’un des projets graphiques les plus marquants de 2025 : « Culture to Technology Identity ». Pensée comme une affiche pour la zone high-tech de Hefei, cette création traduit la transition d’une culture millénaire vers un futur scientifique en une œuvre visuelle limpide, symbolique et raffinée. Un exemple magistral de design graphique comme passerelle entre tradition et progrès.

L’affiche s’appuie sur un geste simple : la représentation du caractère chinois « Anhui », encadré par les lignes emblématiques de l’architecture de Huizhou. Progressivement, la composition évolue : les contours architecturaux se fondent en circuits électroniques, et le symbole culturel devient métaphore technologique. Cette transition, réalisée avec une précision quasi artisanale, condense visuellement l’évolution d’une région entière : du patrimoine à l’innovation. Un design qui se lit comme une histoire.

La direction artistique, orchestrée par Ji Chao et Xu Ning, témoigne d’une maîtrise rare de l’équilibre entre concret et conceptuel. Les dégradés de bleu — clin d’œil au Jiangnan, berceau culturel de Huizhou — installent une atmosphère paisible, presque poétique. À l’inverse, les circuits, rehaussés d’un vernis UV sélectif, apportent éclat et relief, évoquant l’énergie et la précision technologique. L’ensemble compose une identité où l’ancien et le digital se complètent harmonieusement.

La force de ce projet ne réside pas seulement dans sa virtuosité technique, mais dans sa capacité à synthétiser un récit complexe. En quelques centimètres carrés, l’affiche condense une histoire culturelle, une posture politique et une ambition économique. Le design respire la modernité sans renier ses racines. Dans un pays où la course technologique menace d’effacer le symbolique, ce travail redonne dignité et sens à l’identité visuelle publique.

L’équipe de Hefei High Tech Digital Technology Co. relève avec finesse un défi de taille : fusionner harmonieusement profils architecturaux traditionnels et géométries digitales. Proportion, rythme et lumière s’imbriquent avec une rigueur quasi architecturale. Rien n’est superflu, rien ne perturbe. Le résultat s’impose comme une évidence, comme si culture et technologie étaient destinées à se rejoindre à cet instant précis.

« Culture to Technology Identity » se distingue autant par sa qualité plastique que par sa portée : une nouvelle forme de patriotisme visuel, célébrant la modernité sans oublier l’histoire. Un rappel que le design graphique peut devenir un langage diplomatique, capable de transmettre l’essence d’un lieu et sa vision d’avenir. Entre tradition et modernité, ce projet atteint un équilibre rare : élégance, justesse et intention.

No Blanket Value — Social Value Aotearoa x Noa Blanket Co x Motion Sickness

Lauréat du Gold Award dans la catégorie Business Communication aux Best Design Awards 2025, le projet « No Blanket Value » redéfinit la manière dont le design peut incarner un message social. Imaginée par Motion Sickness Design Office en partenariat avec Noa Blanket Co pour Social Value Aotearoa, cette campagne interroge notre façon d’évaluer la valeur dans l’investissement à impact. Un exemple fort du design comme outil de réparation culturelle et de dialogue contemporain.

Plutôt que de publier un rapport ou une campagne classique, l’équipe — menée par les directeurs créatifs Jordan Stent et Sam Stuchbury, avec Katene Durie-Doherty (responsable culturel, Pou Taketake) et Patrick Hickley (directeur design) — a choisi de transformer une critique en objet concret : une couverture tissée. Dans l’histoire coloniale d’Aotearoa (Nouvelle-Zélande), les couvertures symbolisaient des échanges inéquitables, utilisées par les colons pour acquérir terres, ressources ou taonga (trésors culturels). Ici, la couverture change de sens : elle n’est plus un objet de troc, mais un geste de réciprocité. Elle ne se donne pas, elle s’accepte. Elle ne signifie plus la perte, mais l’alliance.

La réalisation de Noa Blanket Co, ancrée dans le soin, la communauté et l’intégrité culturelle, garantit que l’objet n’est pas une simple métaphore, mais un symbole vivant. Chaque fibre tissée porte une idée : la valeur ne se mesure pas en capital, mais en engagement et en relation. La couverture devient une déclaration éthique. Ce n’est pas un support de communication : c’est la communication.

Le langage visuel de la campagne est sobre, réfléchi, presque cérémoniel. Photographies aux tons chauds, lumière naturelle, textures palpables. La composition évite la rhétorique publicitaire et laisse parler la présence de l’objet. Ce silence assumé est porteur de sens. Dans un univers où la communication d’entreprise se mesure au bruit, « No Blanket Value » se mesure à la signification. Ce projet ne cherche pas à convaincre, mais à inviter à réfléchir sur ce que nous valorisons — et comment nous l’exprimons.

Le jury des Best Design Awards 2025 l’a salué comme « une manière incroyablement intelligente de rassembler autour d’une cause, intimement liée à l’histoire d’un pays et à l’évolution du langage du design contemporain ». Ce n’est pas exagéré. Cette œuvre prouve que le design peut être un pont entre économie et éthique, entre histoire et avenir, entre symbole et action. Une leçon pour tous ceux qui croient que le design ne doit pas seulement communiquer, mais aussi réparer, relier et transformer.

« No Blanket Value » s’inscrit dans une nouvelle génération de projets où la communication d’entreprise se fait plus humaine. Son équipe — avec aussi Sylvia Humphries (rédaction), Joshua et Whakaawa Te Kani, Joseph McAlpine, Matthew Campher, Scott Hardy, Oliver Johnston et James Gibb — a accompli plus qu’une victoire : elle a prouvé que lorsque le design est tissé avec intention, il peut changer la perception même de la notion de « valeur ».

Love Creep — Clemenger BBDO x Assembly Ltd x Ministère du Développement Social

https://bestawards.co.nz/graphic/colour-award-graphics/clemenger-bbdo-1/love-creep-5/

Lauréat du Colour Award Graphics aux Best Design Awards 2025, “Love Creep” est l’une des campagnes les plus percutantes et audacieuses de l’année. Créée par Clemenger BBDO et Assembly Ltd pour le Ministère du Développement Social de Nouvelle-Zélande, le projet fait partie du programme Love Better, une initiative nationale destinée aux jeunes pour leur apprendre à reconnaître les signes du contrôle coercitif dans les relations affectives. Son objectif est aussi clair qu’urgent : transformer le langage visuel de l’amour pour le rendre plus conscient, plus honnête et plus sûr.

Le contexte culturel ne pourrait être plus alarmant : la Nouvelle-Zélande a le taux le plus élevé de violence domestique de tout le monde développé ; une femme sur trois subit des abus à un moment de sa vie. Dans ce contexte, “Love Creep” ne se contente pas de communiquer, mais éduque. Elle invite les jeunes à se poser une question essentielle : où finit l’amour et où commence le contrôle ?

L’équipe créative — dirigée par Brigid Alkema, Alex Metson, Julia Ferrier et Emily Beautrais en tant que directeurs créatifs (Pou Auaha), avec Jake Firman à la direction stratégique (Pou Rautaki) — a développé une narration visuelle radicalement immersive. L’expérience numérique LoveCreep.nz utilise un environnement mobile au design intentionnellement oppressant, dominé par une seule idée chromatique : le rouge. Il n’y a pas de nuances, pas de répit visuel. Tout vibre dans la tension entre le désir et le danger. L’amour et l’avertissement partagent la même couleur.

Le rouge, omniprésent dans chaque élément — site web, courts-métrages, réseaux sociaux, affichage urbain —, agit comme métaphore et déclencheur. C’est le fil conducteur qui unit émotion et alarme. Inspirée par le brutalisme architectural, la direction artistique se passe d’ornements pour laisser visible la crudité du sujet. L’esthétique rugueuse, les blocs de couleur intenses et la typographie directe génèrent une sensation d’inconfort recherchée : le design ne séduit pas, il dérange pour éveiller. L’amour, ici, n’est ni doux ni idéalisé ; c’est un terrain où la violence peut apparaître si elle n’est pas reconnue à temps.

La stratégie numérique transforme l’éducation émotionnelle en une expérience interactive. À travers les “Love Bites” — phrases et extraits recueillis lors d’entretiens avec des centaines de victimes et de survivants — les utilisateurs peuvent identifier des schémas de contrôle et réfléchir à leur propre comportement. On ne leur dit pas ce qui est bien ou mal : on les invite à le découvrir par eux-mêmes. Cette approche empathique transforme la campagne en un exercice de conscience collective. Le design cesse d’instruire pour commencer à accompagner.

Les résultats parlent d’eux-mêmes. Dans les mois qui ont suivi le lancement, le nombre de jeunes capables d’identifier des comportements de contrôle dans leurs relations a augmenté de 5 % et le nombre de ceux qui les normalisaient a diminué de 5 %. Les appels à Youthline — une ligne d’assistance pour les jeunes — ont augmenté avec une nouvelle question commune : “Suis-je contrôlant sans m’en rendre compte ?”. Depuis, LoveCreep.nz a été intégré comme outil éducatif dans les lycées de tout le pays. L’impact du design a transcendé l’écran pour devenir une conversation nationale.

Le jury des Best Design Awards a salué le projet pour son “utilisation magistrale de la couleur comme langage narratif et émotionnel” et pour sa capacité à “traduire un problème social complexe en une expérience visuelle viscérale”. Dans un paysage où de nombreuses campagnes sociales cherchent à adoucir leurs messages, “Love Creep” choisit l’intensité, le risque et l’inconfort comme formes de vérité. Et elle y parvient. Parce que parfois, l’amour a besoin d’un miroir rouge pour se reconnaître.

Xijiu Matured Liquor — Chengdu Times Fashion Art Design Co., Ltd.

Lauréat du Platinum A’ Design Award 2025 dans la catégorie Packaging Design, “Xijiu Matured Liquor” représente la synthèse parfaite entre art, culture et design contemporain. Conçu par Chengdu Times Fashion Art Design Co., Ltd., ce projet élève l’emballage de l’alcool au rang d’œuvre culturelle. Sur un marché dominé par la production de masse, cette pièce revendique le design comme un acte de mémoire et d’équilibre.

Inspiré par une pièce emblématique du Palace Museum de Pékin, le design prend comme point de départ la forme du tambour circulaire, symbole ancestral de plénitude et harmonie dans la culture chinoise. À partir de cette géométrie parfaite, l’emballage devient une métaphore du temps, de la nature et du cycle de la vie. Sa silhouette arrondie, douce et équilibrée, communique une sérénité presque philosophique : le luxe compris non comme ostentation, mais comme équilibre entre le visible et l’éternel.

L’équipe créative —Xiaohu Feng, Xian Huo et Lei Wang— parvient à réinterpréter l’héritage classique avec une sensibilité contemporaine. Les inscriptions laser indiquant les années de maturation (15 et 30) se déploient sous forme de rubans qui semblent flotter, un clin d’œil poétique à la tradition des lettrés qui buvaient de l’alcool en écrivant des vers au bord des rivières. Chaque trait unit les sens : la vue, le toucher et l’odorat. C’est un design qui ne se contente pas d’être regardé, mais qui se vit.

Le bouchon, en forme de Sihe Ruyi auspice, représente la concorde entre temps, lieu et personnes. Son ouverture douce ajoute un composant rituel à l’expérience utilisateur. À l’intérieur, une illustration en style xylographique montre le paysage de la rivière Chishui —berceau du Xijiu— ainsi que les ingrédients naturels de l’alcool. L’ensemble transmet une sensation d’héritage vivant : une histoire qui se poursuit à travers le design.

Le projet surmonte le défi d’équilibrer la tradition artisanale avec l’élégance contemporaine. Il ne cherche pas à être moderne : il cherche à être éternel. Face à la tendance du minimalisme global, “Xijiu Matured Liquor” embrasse la complexité symbolique et la richesse visuelle comme formes de vérité esthétique. La circularité, omniprésente, n’est pas seulement une forme : c’est une philosophie. Elle représente l’union entre passé et futur, entre culture et désir, entre matière et émotion.

Le jury du A’ Design Award 2025 a reconnu l’œuvre comme un exemple magistral de “fusion entre art culturel et design industriel”, soulignant son attention au détail, son symbolisme et son exécution technique impeccable. Ce projet ne protège pas seulement un produit, mais préserve un héritage. C’est une preuve que l’emballage, lorsqu’il est conçu avec sensibilité et intention, peut transcender sa fonction commerciale et devenir une pièce de patrimoine culturel.

Mercado Novo — Greco Design

Lauréat du iF Gold Award 2025 dans la catégorie Communication & Branding, le projet “Mercado Novo” de Greco Design réinterprète une icône architecturale de Belo Horizonte pour la transformer en une identité vivante, flexible et profondément brésilienne. Le Mercado Novo, construit dans les années 60 comme symbole du modernisme urbain, était tombé dans l’oubli jusqu’à sa renaissance en 2018 en tant qu’épicentre culturel. Aujourd’hui, sa nouvelle identité visuelle célèbre cette transformation : du commerce à la convivialité, du marché au mouvement.

L’équipe de Greco Design a relevé un défi complexe : capturer l’énergie contemporaine d’un espace où coexistent gastronomie, art, musique et design, sans perdre la mémoire de son passé. La réponse est née dans les cobogós, les blocs perforés en céramique caractéristiques qui forment la façade du bâtiment. Ces éléments, typiques de l’architecture brésilienne, génèrent une danse de lumières et d’ombres tout au long de la journée. Cette géométrie changeante est devenue l’essence du nouveau système visuel : un motif qui évolue avec le temps, tout comme le marché lui-même.

L’identité s’articule à travers une grille modulaire inspirée des cobogós. Chaque grille peut s’adapter à différents supports —des enseignes aux pièces numériques— et permet de générer d’innombrables combinaisons graphiques. La couleur joue un rôle central : une palette qui reflète les différentes heures de la journée, des tons chauds de l’aube aux bleus et orangés du crépuscule sur Belo Horizonte. Ainsi, le logo et ses variantes fonctionnent comme une horloge visuelle, une métaphore du passage du temps et de la vie collective qui bat au sein du bâtiment.

Le jury du iF Design Award a souligné que l’identité “incarne la fusion parfaite entre communauté, architecture et nature”, et a reconnu son utilisation magistrale d’une approche générative qui adapte les formes du marché à des contextes culturels, climatiques et sociaux changeants. Il ne s’agit pas seulement d’une refonte : c’est une interface entre le physique et l’émotionnel, entre la structure architecturale et l’expérience humaine.

Le Mercado Novo fonctionne aujourd’hui comme un nœud culturel qui connecte passé et présent. Sa nouvelle identité n’impose pas une image, mais propose un système ouvert, dans lequel chaque pièce graphique est une interprétation possible du même esprit. Ainsi, le marché devient une plateforme visuelle où coexistent l’artisanat et le numérique, le local et l’universel. C’est une leçon sur la façon dont le design peut préserver la mémoire tout en propulsant l’avenir d’une communauté.

Ce projet démontre que le branding culturel peut être bien plus qu’une opération esthétique : il peut être un outil de revitalisation urbaine. La marque de Mercado Novo ne représente pas seulement un lieu, mais amplifie une manière de vivre. Aux mots du jury : “Un projet qui respire le pouls du Brésil et traduit son énergie collective en un langage visuel intemporel”.

https://ifdesign.com/en/winner-ranking/project/recicla-sampa/714880

Recicla Sampa — D4G Comunicação e Design

Lauréat du iF Design Award 2025 dans la catégorie Service Design, Recicla Sampa s’est imposé comme la plus grande plateforme d’éducation environnementale du Brésil. Créé par les concessionnaires de gestion des déchets Loga et EcoUrbis avec le soutien du gouvernement de São Paulo, le projet redéfinit la manière dont une métropole de plus de vingt millions d’habitants interagit avec ses déchets.

Le mouvement Recicla Sampa est né d’une urgence : transformer la relation entre citoyenneté et consommation au milieu d’une crise environnementale mondiale. Plus qu’une campagne de sensibilisation, c’est un système de communication et de services qui éduque, connecte et facilite l’action durable. Grâce à une plateforme numérique, les utilisateurs peuvent accéder à des informations pratiques sur le tri des déchets, les points de recyclage, des contenus éducatifs et des données actualisées sur la gestion urbaine des déchets.

L’équipe de D4G Comunicação e Design a conçu une expérience qui combine pédagogie, technologie et design social. L’interface intuitive, les ressources visuelles claires et un ton accessible permettent au message d’atteindre des publics divers — des étudiants et familles aux entreprises et organismes publics. Le design du service ne se limite pas à l’environnement numérique : il est complété par des campagnes urbaines, du matériel éducatif et des actions présentielles qui renforcent la conscience environnementale dans la communauté.

L’un des plus grands succès du projet est son impact mesurable. Depuis son lancement, Recicla Sampa a augmenté le volume de déchets recyclables à São Paulo et a renforcé la collaboration entre citoyens, gouvernement et concessionnaires. Son approche stratégique démontre que le design peut être un outil puissant pour la transformation sociale, capable de traduire des données complexes en actions quotidiennes et durables.

Le jury du iF Design Award a particulièrement apprécié la cohérence entre objectif, forme et fonction. Chaque élément de l’expérience — de l’architecture de l’information à l’identité visuelle — est pensé pour inspirer un véritable changement de comportement. Selon l’équipe de D4G, “éduquer sur le recyclage ne consiste pas seulement à informer, mais à générer fierté et appartenance autour d’une ville plus propre et consciente”.

Recicla Sampa représente une nouvelle génération de design de services publics : des projets où la technologie est mise au service des personnes, et le design agit comme un pont entre institutions et citoyens. Dans un pays aux dimensions continentales, son impact dépasse São Paulo : il est devenu un modèle reproductible pour d’autres villes latino-américaines cherchant des solutions durables à travers la communication et le design.

https://awards.europeandesign.org/winner/262593

Logo norvégien — TRY / Apt

Lauréat du Silver Award 2025 dans la catégorie Company Logo, la refonte de la marque Norwegian Airlines signée par TRY / Apt représente un renouvellement stratégique et émotionnel du secteur aérien européen. À un moment où la pandémie a complètement transformé le paysage des voyages d’affaires et où les compagnies aériennes traditionnelles luttaient pour se redéfinir, Norwegian a saisi l’opportunité de reconstruire son identité à partir de l’authenticité et des valeurs nationales.

La nouvelle identité repose sur une idée claire : “A Fair Price Airline” et “The Norwegian Way”. Deux piliers qui combinent honnêteté, accessibilité et fierté culturelle. Le design abandonne les clichés nordiques et les codes excessivement techniques de sa phase précédente, optant pour une esthétique moderne, chaleureuse et humaine qui équilibre le local et le global. Le résultat est une marque qui projette confiance, simplicité et qualité sans prétention.

Le logo mis à jour conserve la reconnaissance de la marque originale, mais a été affiné pour s’aligner avec cette nouvelle philosophie. Le trait est simplifié, les espaces sont ouverts et l’ensemble respire une clarté visuelle qui reflète les valeurs scandinaves de précision et de transparence. Le rouge, le bleu et le blanc du drapeau norvégien restent comme base chromatique, mais leur application est plus contenue, s’adaptant aux environnements numériques et physiques avec une élégance intemporelle.

L’une des grandes innovations est l’introduction d’une typographie personnalisée développée par Kanon Foundry, conçue pour refléter la clarté, la simplicité et la chaleur du langage visuel norvégien. Cette police, combinée à un système d’illustrations organiques et expressives, renforce la personnalité de la marque : down to earth rebel, une rébellion tranquille qui communique proximité sans perdre de rigueur professionnelle.

Le système visuel a été conçu comme flexible et cohérent, capable de s’adapter à de multiples supports —de la signalétique des aéroports aux applications mobiles— et de coexister avec des éléments antérieurs sur les fuselages des avions. Chaque point de contact maintient la même voix : accessible, moderne et consciente. Selon les designers, “il ne s’agit pas seulement de voler, mais de voler avec un but”.

Le jury a souligné la manière dont la refonte redéfinit l’identité d’une compagnie aérienne nationale sans rompre avec son héritage, équilibrant héritage culturel et ambition internationale. C’est une leçon sur la façon dont le branding d’entreprise peut évoluer vers l’empathie sans perdre de cohérence, réalisant une marque qui se sent aussi contemporaine que durable. Norwegian cesse ainsi d’être une compagnie aérienne de plus, pour devenir un symbole du design scandinave moderne appliqué à l’expérience de marque globale.

https://awards.europeandesign.org/winner/261176

Binde. 100–10 — Alexey Murashko

Lauréat du Gold Award 2025 dans la catégorie Artistic Catalogue, le projet “Binde. 100–10” de Alexey Murashko est une œuvre éditoriale monumentale qui célèbre la carrière du photographe letton Gunārs Binde, l’un des noms les plus influents de la photographie européenne du XXe siècle. La publication, conçue comme un hommage vivant, combine structure, matérialité et narration visuelle pour construire un portrait multiple : celui de l’artiste, de son époque et de son regard.

Le livre est publié à l’occasion du 90e anniversaire de Binde et rassemble une vaste sélection de ses photographies, essais critiques et interviews inédites. Face à une quantité écrasante de matériel, Murashko a opté pour une solution de design qui organise le contenu en cinq sections, structurées avec clarté et rythme physique. Chaque bloc est séparé par des signatures grises imprimées sur papier de grammage supérieur, transformant le passage d’une section à l’autre en un geste tactile, presque cinématographique.

L’œuvre s’ouvre sur une série d’expériences photographiques imprimées en argent sur papier noir, un clin d’œil poétique aux substances photosensibles qui ont donné naissance à la photographie analogique. Cette décision n’est pas seulement technique, mais conceptuelle : elle place l’œuvre de Binde en dialogue avec le XXIe siècle, soulignant sa pertinence et sa capacité à se réinventer à travers le temps. Beaucoup de ces images n’avaient jamais été publiées, ajoutant au volume un air de découverte.

Les trois sections principales sont construites comme un récit visuel en trois actes : “Le Binde connu”, dédié à ses célèbres portraits, nus et photographies érotiques ; “Mythes et moments”, une exploration symbolique de l’idéologie, de la religion et des tensions entre pouvoir et nature ; et “Cercle intérieur”, qui rassemble des portraits personnels, autoportraits et scènes intimes révélant le côté le plus humain de l’artiste. Chaque série est identifiée par des lettres latines — une structure ouverte qui suggère la possibilité de futures éditions et continuations de l’archive.

Le design éditorial combine rigueur technique et sensibilité matérielle. Les sections textuelles et essayistiques sont imprimées sur papier non couché avec une double encre noire de haute densité, renforçant la lisibilité et la relation tactile avec l’image. En contraste, les sections photographiques utilisent quadrichromie sur papier couché avec vernis brillant, obtenant un contraste extrême qui rappelle les photocopies argentées si caractéristiques du style de Binde. Tout le volume a été imprimé avec trame stochastique, une technique qui offre une définition exceptionnelle même en miniatures, sans motifs visibles de trame.

Le résultat est bien plus qu’un catalogue : c’est une sculpture imprimée qui équilibre poids, proportion et texture pour rendre hommage à un artiste dont l’œuvre a toujours oscillé entre l’ironie et la sensualité. Comme l’affirme l’équipe éditoriale, “Binde. 100–10 ne documente pas seulement une carrière, mais la réinterprète depuis la contemporanéité, transformant la mémoire en matière vivante”.

Le jury a salué sa maîtrise technique et conceptuelle, soulignant comment chaque décision de design — du papier à la typographie — est mise au service du récit photographique. Ce projet démontre que le design éditorial reste l’un des langages les plus puissants pour raconter l’art : un espace où la forme, le contenu et le temps dialoguent avec la même précision que la lumière dans une chambre noire.

https://awards.europeandesign.org/winner/261324

Google Sans Flex — Studio Dumbar/DEPT®

Lauréat du Silver Award 2025 dans la catégorie Applications typographiques, le projet “Google Sans Flex — Pushing the Boundaries” de Studio Dumbar/DEPT® représente l’une des collaborations les plus stimulantes entre design, technologie et typographie contemporaine. Commandé par Google Design, le studio néerlandais a exploré les possibilités expressives de Google Sans Flex, la nouvelle police variable du géant technologique, à travers une série d’expériences visuelles et sonores qui repoussent les limites du langage graphique.

Le projet se développe autour d’un concept central : “Action and Reaction”. Chaque interaction avec la typographie génère une réponse unique —un changement de poids, de couleur, de mouvement ou même de son— qui met à l’épreuve la flexibilité de la police et son potentiel en tant que système dynamique. Loin de se limiter à une démonstration technique, le travail de Studio Dumbar transforme la typographie en un organisme vivant, sensible au contexte et à l’intention du message.

Le résultat est une exploration visuelle immersive qui démontre comment la technologie variable peut transformer l’identité numérique. À travers des animations, des modulations et des transitions typographiques, l’équipe a créé un langage en constante mutation, où les lettres se comportent comme une matière en mouvement. Chaque pièce du projet est une étude sur la relation entre forme et réponse, où la typographie cesse d’être statique pour devenir une expérience interactive.

Cette expérimentation a également eu une dimension sonore : en associant les changements visuels à des stimuli auditifs, le studio a généré un système multisensoriel qui renforce l’idée d’action et de réaction. La typographie, par conséquent, se comporte comme une interface, capable de communiquer des émotions et des nuances de manière plus profonde. Le jury a souligné précisément cette capacité à transcender la fonction traditionnelle de la lettre et à explorer de nouvelles formes de narration visuelle.

Le travail de Studio Dumbar/DEPT® synthétise des décennies de recherche sur le mouvement typographique, l’identité numérique et l’animation graphique. Leur interprétation de Google Sans Flex démontre que la typographie du futur ne sera pas seulement lisible, mais aussi réactive, adaptable et émotionnelle. Cette vision s’accorde avec la philosophie de Google Design, qui cherche à élargir le rôle du design comme pont entre communication et technologie.

Au-delà du laboratoire typographique, le projet pose une question essentielle pour le design contemporain : comment une police peut-elle devenir une expérience ? La réponse réside dans ce travail, qui non seulement repousse les limites du design typographique, mais aussi celles de la pensée créative. Dans leurs propres mots : “Flex n’est pas seulement une typographie. C’est une conversation entre ce que nous disons et comment nous le montrons.”

Conclusion : le design comme langage du futur

Si quelque chose unit ces dix projets, c’est leur capacité à regarder au-delà de la forme. Chacun, depuis son contexte et sa discipline, démontre que le design graphique n’est pas seulement une question esthétique, mais une manière de penser le monde. Qu’il s’agisse d’une campagne sociale qui défie les perceptions, d’une identité visuelle qui connecte les générations ou d’une typographie qui réagit au son, le design reste un outil pour interpréter, connecter et transformer.

À un moment où l’automatisation et l’intelligence artificielle semblent occuper chaque espace, ces projets rappellent que l’essentiel du design reste humain : l’empathie, l’intention et la capacité de raconter des histoires avec âme. La technologie élargit nos mains, mais c’est la sensibilité qui donne du sens au résultat.

L’avenir du design graphique —celui que nous construisons déjà— sera plus hybride, collaboratif et conscient. Il ne s’agira pas tant de maîtriser un outil, mais de comprendre comment une idée peut générer une valeur réelle pour les personnes et les communautés. Et dans cette quête, le rôle du designer se consolide comme celui d’un médiateur entre la pensée et l’émotion, entre les données et la beauté.

Chez Code Barcelona, nous continuons de croire que le bon design ne se contente pas de communiquer : il fait évoluer la culture visuelle d’une époque. Ces projets en sont un exemple. Ils sont des signes de la direction que prend la créativité contemporaine et de la manière dont le design, dans sa meilleure version, reste une forme d’espoir tangible.