Beste Grafikdesigns 2026

10 Grafikdesign-Projekte, die die visuelle Zukunft 2025–2026 prägen

Das Grafikdesign befindet sich in einem Moment tiefgreifender Neudefinition. Künstliche Intelligenz, Umweltbewusstsein, Inklusion und typografische Technologie verändern nicht nur die Werkzeuge, die wir verwenden, sondern auch den Zweck hinter jedem Projekt. In einer globalen Landschaft, die ein Gleichgewicht zwischen Menschlichkeit und digitalem Fortschritt sucht, zeigen die besten Arbeiten der letzten Jahre, dass Kreativität weiterhin der Motor ist, der Innovation Sinn verleiht.

Von kulturellen Identitäten, die Tradition und Moderne verbinden, bis hin zu sozialen Kampagnen, die zeitgenössische Werte hinterfragen, bestätigt sich Design als Form kritischen Denkens und als Werkzeug des Wandels. Internationale Auszeichnungen —wie die A’ Design Awards, die iF Design Awards oder die Best Design Awards— würdigen nicht nur Ästhetik, sondern auch die Wirkung und Kohärenz einer gut aufgebauten Idee.

Bei Code Barcelona haben wir zehn außergewöhnliche Projekte zusammengestellt, die 2025 und 2026 ausgezeichnet wurden: Arbeiten, die sich durch konzeptionelle Klarheit, makellose Umsetzung und die Fähigkeit auszeichnen, Menschen zu erreichen. Sie zeigen, wie zeitgenössisches Design zugleich emotional, funktional und strategisch sein kann.

Das sind die 10 inspirierendsten Grafikdesign-Projekte des Moments —eine Auswahl, die zeigt, wohin sich die globale visuelle Kommunikation entwickelt und warum Design weiterhin eine zentrale Disziplin ist, um die kommende Welt zu verstehen.

Culture to Technology Identity — Hefei High Tech Digital Technology Co., LTD.

https://competition.adesignaward.com/gooddesigner.php?profile=368190

Im Herzen von Anhui, einer chinesischen Provinz mit ebenso tiefer kultureller Tradition wie starkem Innovationsdrang, entsteht eines der bedeutendsten Grafikdesign-Projekte des Jahres 2025: „Culture to Technology Identity“. Dieses als Plakat für die Hightech-Zone von Hefei konzipierte Werk übersetzt ein komplexes Konzept —den Übergang einer jahrtausendealten Kultur in eine wissenschaftliche Zukunft— in eine klare, symbolische und elegante visuelle Arbeit. Es ist ein perfektes Beispiel dafür, wie Grafikdesign als Brücke zwischen Tradition und Fortschritt dienen kann.

Das Plakat geht von einer einfachen Geste aus: der Darstellung des chinesischen Schriftzeichens für „Anhui“, eingefasst von den klassischen Konturen der Huizhou-Architektur. Von dort aus verwandelt sich die Komposition Schritt für Schritt. Die architektonischen Linien lösen sich in elektronische Leiterbahnen auf, und das kulturelle Symbol wird zur technologischen Metapher. Dieser mit beinahe handwerklicher Präzision ausgeführte Übergang fasst die Entwicklung einer ganzen Region visuell zusammen: vom Erbe zur Zukunft, vom Kulturgut zur Innovation. Es ist ein Design, das man nicht nur betrachtet, sondern wie eine Erzählung liest.

Die Art Direction unter der Leitung von Ji Chao und Xu Ning zeigt ein tiefes Verständnis für die visuelle Balance zwischen dem Greifbaren und dem Konzeptuellen. Der Einsatz von blauen Farbverläufen —Symbol für Jiangnan, jene historische Region, in der die Huizhou-Kultur aufblühte— schafft eine ruhige, beinahe poetische Atmosphäre. Im Kontrast dazu bringen die mit lokalem UV-Lack hervorgehobenen Leiterbahnen Glanz und Textur ein und evozieren Energie sowie technologische Präzision. Die Kombination beider Ebenen erzeugt eine visuelle Identität, in der das Alte und das Digitale nicht gegeneinanderstehen, sondern einander ergänzen.

Der größte Wert dieses Projekts liegt nicht nur in seiner makellosen technischen Ausführung, sondern in seiner Fähigkeit zur konzeptionellen Verdichtung. Auf wenigen Quadratzentimetern gelingt es dem Plakat, eine Kulturgeschichte, eine politische Positionierung und eine wirtschaftliche Ambition zu bündeln. Das Design atmet Modernität, ohne seine Wurzeln aufzugeben. In einem Land, in dem die Geschwindigkeit technologischer Entwicklung symbolische Bedeutung zu verwässern droht, gibt diese Arbeit der öffentlichen visuellen Identität Würde und Bedeutung zurück.

Das Team von Hefei High Tech Digital Technology Co. löst mit großer Subtilität eine komplexe Aufgabe: die kohärente Verschmelzung traditioneller architektonischer Profile mit der digitalen Geometrie einer Leiterplatte. Proportion, Rhythmus und Licht fügen sich mit beinahe architektonischer Disziplin zusammen. Nichts ist überflüssig, nichts stört. Das Ergebnis fühlt sich selbstverständlich an, als wären Kultur und Technologie schon immer dazu bestimmt gewesen, sich genau an diesem Punkt zu begegnen.

„Culture to Technology Identity“ überzeugt nicht nur durch ästhetische Qualität, sondern durch das, wofür es steht: eine neue Form visuellen Patriotismus, die Modernisierung feiert, ohne Geschichte zu vergessen. Es erinnert daran, dass Grafikdesign als diplomatische Sprache funktionieren kann, die das Wesen eines Ortes und seine Zukunftsvision vermittelt. Zwischen Tradition und Moderne erreicht dieses Projekt etwas Seltenes: Gleichgewicht, Eleganz und Zweck.

No Blanket Value — Social Value Aotearoa x Noa Blanket Co x Motion Sickness

Als Gewinner des Gold Award in der Kategorie Business Communication bei den Best Design Awards 2025 definiert das Projekt „No Blanket Value“ neu, wie Design eine soziale Botschaft materialisieren kann. Konzipiert vom Motion Sickness Design Office in Zusammenarbeit mit Noa Blanket Co für Social Value Aotearoa, hinterfragt diese Kampagne, wie wir Wert im Bereich Impact Investment verstehen und messen. Sie ist ein starkes Beispiel dafür, wie Design als Werkzeug kultureller Reparatur und zeitgenössischen Dialogs wirken kann.

Anstatt einen Bericht oder eine klassische Medienkampagne zu veröffentlichen, entschied sich das Team —geführt von den Kreativdirektoren Jordan Stent und Sam Stuchbury, mit Katene Durie-Doherty als kulturellem Verantwortlichen (Pou Taketake) und Patrick Hickley als Design Director— dafür, eine Kritik in ein greifbares Objekt zu verwandeln: eine gewebte Decke. In der Kolonialgeschichte Aotearoas (Neuseeland) waren Decken Symbole ungleichen Tauschs, mit denen Kolonisatoren Land, Ressourcen oder taonga (kulturelle Schätze) erhielten. Hier wird die Decke neu gedeutet: Sie ist kein Tauschobjekt mehr, sondern ein Zeichen von Gegenseitigkeit. Sie wird nicht verschenkt, sondern angenommen. Sie steht nicht für Verlust, sondern für Allianz.

Die Umsetzung durch Noa Blanket Co, geleitet von einer Praxis, die in Fürsorge, Gemeinschaft und kultureller Integrität verwurzelt ist, stellt sicher, dass das Objekt keine bloße visuelle Metapher bleibt, sondern ein lebendiges Symbol wird. Jede gewebte Faser verkörpert eine Idee: Wert nicht am Kapital zu messen, sondern an Verpflichtung und Beziehung. Die Decke ist selbst eine ethische Erklärung. Sie ist kein Träger von Kommunikation: Sie ist die Kommunikation.

Die visuelle Sprache der Kampagne ist zurückhaltend, bewusst und zeremoniell. Warme Fotografie, natürliches Licht, sichtbare Texturen. Die Komposition vermeidet werbliche Rhetorik und lässt die Präsenz des Objekts sprechen. Dieses bewusste Schweigen hat Kraft. Denn in einem Umfeld, in dem Unternehmenskommunikation an Lautstärke gemessen wird, misst sich „No Blanket Value“ an Bedeutung. Es ist ein Projekt, das nicht überzeugen will, sondern dazu einlädt, darüber nachzudenken, was wir wertschätzen —und wie wir diesen Wert ausdrücken.

Die Jury der Best Design Awards 2025 beschrieb es als „eine außerordentlich intelligente Art, Menschen um eine Sache zu vereinen, tief verbunden mit der Geschichte eines Landes und der Entwicklung der Sprache des zeitgenössischen Designs“. Das ist keine Übertreibung. Diese Arbeit zeigt, dass Design eine Brücke zwischen Ökonomie und Ethik, zwischen Geschichte und Zukunft, zwischen Symbol und Handlung sein kann. Sie ist eine Lektion für alle, die glauben, dass Design nicht nur kommunizieren, sondern reparieren, verbinden und transformieren sollte.

„No Blanket Value“ gehört zu einer neuen Generation von Projekten, in denen Unternehmenskommunikation menschlicher wird. Das Team —zu dem auch Sylvia Humphries (Copywriting), Joshua und Whakaawa Te Kani, Joseph McAlpine, Matthew Campher, Scott Hardy, Oliver Johnston und James Gibb gehören— hat mehr erreicht als eine Auszeichnung: Es hat gezeigt, dass Design, wenn es mit Zweck gewebt wird, verändern kann, wie eine Gesellschaft das Wort „Wert“ versteht.

Love Creep — Clemenger BBDO x Assembly Ltd x Ministry of Social Development

https://bestawards.co.nz/graphic/colour-award-graphics/clemenger-bbdo-1/love-creep-5/

Als Gewinner des Colour Award Graphics bei den Best Design Awards 2025 ist „Love Creep“ eine der eindrucksvollsten und mutigsten Kampagnen des Jahres. Entwickelt von Clemenger BBDO und Assembly Ltd für das neuseeländische Ministerium für soziale Entwicklung, ist das Projekt Teil des Programms Love Better, einer nationalen Initiative für junge Menschen, die helfen soll, Anzeichen von coercive control in Beziehungen zu erkennen. Das Ziel ist ebenso klar wie dringend: die visuelle Sprache der Liebe so zu verändern, dass sie bewusster, ehrlicher und sicherer wird.

Der kulturelle Kontext ist alarmierend: Neuseeland weist die höchste Rate häuslicher Gewalt in der entwickelten Welt auf; eine von drei Frauen erlebt im Laufe ihres Lebens Missbrauch. In diesem Umfeld kommuniziert „Love Creep“ nicht nur, sondern bildet. Es lädt junge Menschen ein, sich eine zentrale Frage zu stellen: Wo endet Liebe und wo beginnt Kontrolle?

Das Kreativteam —geführt von Brigid Alkema, Alex Metson, Julia Ferrier und Emily Beautrais als Creative Directors (Pou Auaha), zusammen mit Jake Firman in der strategischen Leitung (Pou Rautaki)— entwickelte eine radikal immersive visuelle Narrative. Die digitale Erfahrung LoveCreep.nz nutzt eine bewusst beklemmende mobile Designumgebung, dominiert von einer einzigen Farbidee: Rot. Es gibt keine Zwischentöne, keine visuelle Pause. Alles vibriert in der Spannung zwischen Begehren und Gefahr. Liebe und Warnung teilen dieselbe Farbe.

Das allgegenwärtige Rot —auf Website, Kurzfilmen, Social Media und urbanen Plakaten— wirkt zugleich als Metapher und Auslöser. Es ist der rote Faden, der Emotion und Alarm verbindet. Inspiriert vom architektonischen Brutalismus, verzichtet die Art Direction auf Ornament, um die Rohheit des Themas sichtbar zu machen. Die harte Ästhetik, intensive Farbflächen und direkte Typografie erzeugen ein bewusstes Unbehagen: Das Design verführt nicht, es irritiert, um wachzurütteln. Liebe ist hier weder weich noch idealisiert; sie ist ein Feld, in dem Gewalt entstehen kann, wenn man sie nicht rechtzeitig erkennt.

Die digitale Strategie verwandelt emotionale Bildung in eine interaktive Erfahrung. Über sogenannte „Love Bites“ —Sätze und Fragmente aus Interviews mit Hunderten von Betroffenen und Überlebenden— können Nutzer Muster von Kontrolle erkennen und über ihr eigenes Verhalten nachdenken. Ihnen wird nicht gesagt, was richtig oder falsch ist: Sie werden eingeladen, es selbst zu entdecken. Dieser empathische Ansatz macht die Kampagne zu einer Übung kollektiver Selbstwahrnehmung. Design hört auf zu belehren und beginnt zu begleiten.

Die Ergebnisse sprechen für sich. In den Monaten nach dem Launch stieg die Zahl junger Menschen, die kontrollierendes Verhalten in ihren Beziehungen erkennen konnten, um 5 %, während die Zahl derjenigen, die es normalisierten, um weitere 5 % sank. Anrufe bei Youthline —einer Beratungsstelle für junge Menschen— nahmen zu, häufig mit derselben neuen Frage: „Bin ich kontrollierend, ohne es zu merken?“ Seitdem wird LoveCreep.nz als Bildungsinstrument an Schulen im ganzen Land eingesetzt. Die Wirkung des Designs ging über den Bildschirm hinaus und wurde zu einem nationalen Gespräch.

Die Jury der Best Design Awards hob das Projekt für seinen „meisterhaften Einsatz von Farbe als narrative und emotionale Sprache“ und seine Fähigkeit hervor, „ein komplexes soziales Problem in eine visuell viszerale Erfahrung zu übersetzen“. In einer Landschaft, in der viele soziale Kampagnen ihre Botschaften abmildern, wählt „Love Creep“ Intensität, Risiko und Unbehagen als Formen der Wahrheit. Und es gelingt. Denn manchmal braucht Liebe einen roten Spiegel, um sich selbst zu erkennen.

Xijiu Matured Liquor — Chengdu Times Fashion Art Design Co., Ltd.

Als Gewinner des Platinum A’ Design Award 2025 in der Kategorie Packaging Design verkörpert „Xijiu Matured Liquor“ die perfekte Synthese aus Kunst, Kultur und zeitgenössischem Design. Entwickelt von Chengdu Times Fashion Art Design Co., Ltd., erhebt dieses Projekt eine Spirituosenverpackung in den Rang eines kulturellen Werks. In einem Markt, der von Serienproduktion dominiert wird, behauptet diese Arbeit Design als Akt der Erinnerung und Balance.

Inspiriert von einem ikonischen Stück des Palace Museum in Peking, nimmt das Design die Form einer runden Trommel als Ausgangspunkt —ein uraltes Symbol für Fülle und Harmonie in der chinesischen Kultur. Aus dieser vollkommenen Geometrie wird die Verpackung zu einer Metapher für Zeit, Natur und den Lebenszyklus. Ihre runde, weiche und ausgewogene Silhouette kommuniziert eine beinahe philosophische Ruhe: Luxus verstanden nicht als Prunk, sondern als Gleichgewicht zwischen dem Sichtbaren und dem Ewigen.

Das Kreativteam —Xiaohu Feng, Xian Huo und Lei Wang— interpretiert klassisches Erbe mit zeitgenössischer Sensibilität neu. Die Lasergravuren, die die Reifejahre (15 und 30) anzeigen, entfalten sich wie schwebende Bänder —eine poetische Anspielung auf die Tradition der Literaten, die am Flussufer Spirituosen tranken, während sie Verse schrieben. Jede Linie verbindet die Sinne: Sehen, Tasten und Riechen. Es ist ein Design, das man nicht nur betrachtet, sondern erlebt.

Der Verschluss in glückverheißender Sihe-Ruyi-Form steht für die Harmonie zwischen Zeit, Ort und Menschen. Sein sanftes Öffnen fügt der Nutzererfahrung eine rituelle Dimension hinzu. Im Inneren zeigt eine Illustration im Holzschnittstil die Landschaft des Chishui-Flusses —Ursprung des Xijiu— zusammen mit den natürlichen Zutaten der Spirituose. Das gesamte Ensemble vermittelt das Gefühl eines lebendigen Erbes: einer Geschichte, die durch Design weitergeführt wird.

Das Projekt meistert die Herausforderung, handwerkliche Tradition mit zeitgenössischer Eleganz auszubalancieren. Es will nicht modern sein: Es will zeitlos sein. Gegenüber dem Trend globaler Minimalistik umarmt „Xijiu Matured Liquor“ symbolische Komplexität und visuelle Fülle als Formen ästhetischer Wahrheit. Die allgegenwärtige Kreisform ist nicht nur eine Form: Sie ist eine Philosophie. Sie steht für die Verbindung von Vergangenheit und Zukunft, Kultur und Begehren, Materie und Emotion.

Die Jury des A’ Design Award 2025 würdigte die Arbeit als meisterhaftes Beispiel für die „Verschmelzung von kultureller Kunst und Industriedesign“ und hob ihre Detailgenauigkeit, Symbolik und makellose technische Umsetzung hervor. Dieses Projekt schützt nicht nur ein Produkt, sondern bewahrt ein Erbe. Es beweist, dass Packaging, wenn es mit Sensibilität und Zweck gestaltet wird, seine kommerzielle Funktion überschreiten und zu einem Stück kulturellen Erbes werden kann.

Mercado Novo — Greco Design

Als Gewinner des iF Gold Award 2025 in der Kategorie Communication & Branding interpretiert das Projekt „Mercado Novo“ von Greco Design ein architektonisches Wahrzeichen von Belo Horizonte neu und verwandelt es in eine lebendige, flexible und zutiefst brasilianische Identität. Der in den 1960er-Jahren als Symbol urbaner Moderne errichtete Mercado Novo war in Vergessenheit geraten, bis er 2018 als kulturelles Epizentrum wiedergeboren wurde. Heute feiert seine neue visuelle Identität diese Transformation: vom Handel zum Zusammenleben, vom Markt zur Bewegung.

Das Team von Greco Design stand vor einer komplexen Aufgabe: die zeitgenössische Energie eines Ortes einzufangen, an dem Gastronomie, Kunst, Musik und Design koexistieren, ohne die Erinnerung an seine Vergangenheit zu verlieren. Die Antwort lag in den cobogós, den charakteristischen perforierten Keramikblöcken, die die Fassade des Gebäudes prägen. Diese typischen Elemente brasilianischer Architektur erzeugen im Laufe des Tages ein Spiel aus Licht und Schatten. Diese veränderliche Geometrie wurde zur Essenz des neuen visuellen Systems: ein Muster, das sich mit der Zeit entwickelt, so wie der Markt selbst.

Die Identität wird über ein modulares Raster aufgebaut, inspiriert von den cobogós. Jedes Raster kann sich an unterschiedliche Träger anpassen —von Beschilderung bis zu digitalen Formaten— und ermöglicht unzählige grafische Kombinationen. Farbe spielt dabei eine zentrale Rolle: eine Palette, die verschiedene Tageszeiten widerspiegelt, von warmen Morgentönen bis zu Blau- und Orangenuancen des Sonnenuntergangs über Belo Horizonte. So funktionieren Logo und Varianten wie eine visuelle Uhr, eine Metapher für den Lauf der Zeit und für das kollektive Leben im Inneren des Gebäudes.

Die Jury des iF Design Award hob hervor, dass die Identität „die perfekte Verschmelzung von Gemeinschaft, Architektur und Natur verkörpert“, und würdigte ihren meisterhaften Einsatz eines generativen Ansatzes, der die Formen des Marktes an wechselnde kulturelle, klimatische und soziale Kontexte anpasst. Es handelt sich nicht nur um ein Redesign: Es ist eine Schnittstelle zwischen dem Physischen und dem Emotionalen, zwischen architektonischer Struktur und menschlicher Erfahrung.

Der Mercado Novo funktioniert heute als kultureller Knotenpunkt, der Vergangenheit und Gegenwart verbindet. Seine neue Identität setzt kein starres Bild durch, sondern schlägt ein offenes System vor, in dem jedes grafische Element eine mögliche Interpretation desselben Geistes ist. So wird der Markt zu einer visuellen Plattform, auf der Handwerkliches und Digitales, Lokales und Universelles zusammenleben. Es ist eine Lektion darin, wie Design Erinnerung bewahren und zugleich die Zukunft einer Gemeinschaft vorantreiben kann.

Dieses Projekt zeigt, dass kulturelles Branding weit mehr sein kann als eine ästhetische Operation: Es kann ein Werkzeug urbaner Revitalisierung sein. Die Marke Mercado Novo repräsentiert nicht nur einen Ort, sondern verstärkt eine Lebensform. In den Worten der Jury: „Ein Projekt, das den Puls Brasiliens atmet und seine kollektive Energie in eine zeitlose visuelle Sprache übersetzt“.

https://ifdesign.com/en/winner-ranking/project/recicla-sampa/714880

Recicla Sampa — D4G Comunicação e Design

Gewinner des iF Design Award 2025 in der Kategorie Service Design: Recicla Sampa hat sich als größte Plattform für Umweltbildung in Brasilien etabliert. Entwickelt von den Abfallwirtschaftskonzessionären Loga und EcoUrbis mit Unterstützung der Stadt São Paulo, definiert das Projekt neu, wie eine Metropole mit mehr als zwanzig Millionen Einwohnern mit ihren Abfällen umgeht.

Die Bewegung Recicla Sampa entsteht aus einer Dringlichkeit: die Beziehung zwischen Bürgerschaft und Konsum inmitten einer globalen Umweltkrise zu verändern. Mehr als eine Sensibilisierungskampagne ist sie ein Kommunikations- und Servicesystem, das bildet, verbindet und nachhaltiges Handeln erleichtert. Über eine digitale Plattform erhalten Nutzer praktische Informationen zur Mülltrennung, zu Recyclingpunkten, Bildungsinhalten und aktuellen Daten zur städtischen Abfallwirtschaft.

Das Team von D4G Comunicação e Design entwarf eine Erfahrung, die Pädagogik, Technologie und soziales Design verbindet. Die intuitive Oberfläche, klare visuelle Ressourcen und ein zugänglicher Ton ermöglichen es, unterschiedliche Zielgruppen zu erreichen —von Schülern und Familien bis zu Unternehmen und öffentlichen Einrichtungen. Das Servicedesign beschränkt sich nicht auf den digitalen Raum: Es wird durch urbane Kampagnen, Bildungsmaterialien und Präsenzaktionen ergänzt, die Umweltbewusstsein in der Gemeinschaft stärken.

Eine der größten Leistungen des Projekts ist seine messbare Wirkung. Seit dem Launch hat Recicla Sampa das Volumen recycelbarer Abfälle in São Paulo erhöht und die Zusammenarbeit zwischen Bürgerschaft, Regierung und Konzessionären gestärkt. Der strategische Ansatz zeigt, dass Design ein mächtiges Werkzeug sozialer Transformation sein kann, das komplexe Daten in alltägliche, nachhaltige Handlungen übersetzt.

Die Jury des iF Design Award würdigte besonders die Kohärenz zwischen Zweck, Form und Funktion. Jedes Element der Erfahrung —von der Informationsarchitektur bis zur visuellen Identität— ist darauf ausgelegt, eine reale Verhaltensänderung anzustoßen. In den Worten des D4G-Teams: „Über Recycling aufzuklären bedeutet nicht nur zu informieren, sondern Stolz und Zugehörigkeit rund um eine sauberere und bewusstere Stadt zu erzeugen“.

Recicla Sampa steht für eine neue Generation des Designs öffentlicher Dienstleistungen: Projekte, in denen Technologie den Menschen dient und Design als Brücke zwischen Institutionen und Bürgern wirkt. In einem Land kontinentaler Dimensionen reicht seine Wirkung über São Paulo hinaus: Es ist zu einem übertragbaren Modell für andere lateinamerikanische Städte geworden, die nachhaltige Lösungen durch Kommunikation und Design suchen.

https://awards.europeandesign.org/winner/262593

Norwegian Logo — TRY / Apt

Gewinner des Silver Award 2025 in der Kategorie Company Logo: Das Rebranding der Marke Norwegian Airlines von TRY / Apt steht für eine strategische und emotionale Erneuerung des europäischen Luftfahrtsektors. In einem Moment, in dem die Pandemie die Geschäftsreiselandschaft vollständig verändert hatte und traditionelle Airlines um ihre Neupositionierung rangen, nutzte Norwegian die Gelegenheit, seine Identität aus Authentizität und nationalen Werten heraus neu aufzubauen.

Die neue Identität basiert auf einer klaren Idee: „A Fair Price Airline“ und „The Norwegian Way“. Zwei Säulen, die Ehrlichkeit, Zugänglichkeit und kulturellen Stolz verbinden. Das Design verabschiedet sich von nordischen Klischees und den übermäßig technischen Codes der früheren Phase und setzt auf eine moderne, warme und menschliche Ästhetik, die Lokales und Globales ausbalanciert. Das Ergebnis ist eine Marke, die Vertrauen, Einfachheit und Qualität ohne Überheblichkeit vermittelt.

Das aktualisierte Logo behält die Wiedererkennbarkeit der ursprünglichen Marke bei, wurde jedoch verfeinert, um sich an dieser neuen Philosophie auszurichten. Der Strich wird vereinfacht, die Zwischenräume öffnen sich, und das Gesamtbild atmet eine visuelle Klarheit, die skandinavische Werte von Präzision und Transparenz widerspiegelt. Rot, Blau und Weiß der norwegischen Flagge bleiben die chromatische Grundlage, werden jedoch zurückhaltender eingesetzt und passen sich digitalen wie physischen Umgebungen mit zeitloser Eleganz an.

Eine der großen Innovationen ist die Einführung einer maßgeschneiderten Schrift, entwickelt von Kanon Foundry, die Klarheit, Einfachheit und Wärme der norwegischen visuellen Sprache widerspiegeln soll. Diese Schrift, kombiniert mit einem System organischer und expressiver Illustrationen, stärkt die Persönlichkeit der Marke: down to earth rebel, eine ruhige Rebellion, die Nähe vermittelt, ohne professionelle Strenge zu verlieren.

Das visuelle System wurde flexibel und kohärent konzipiert, fähig, sich an zahlreiche Träger anzupassen —von Flughafenleitsystemen bis zu mobilen Apps— und mit bestehenden Elementen auf den Flugzeugrümpfen zu koexistieren. Jeder Berührungspunkt behält dieselbe Stimme: zugänglich, modern und bewusst. In den Worten der Designer: „Es geht nicht nur ums Fliegen, sondern darum, mit Zweck zu fliegen“.

Die Jury hob hervor, wie das Rebranding die Identität einer nationalen Fluggesellschaft neu definiert, ohne mit ihrem Erbe zu brechen, und dabei kulturelles Erbe mit internationaler Ambition ausbalanciert. Es ist eine Lektion darin, wie Corporate Branding sich in Richtung Empathie entwickeln kann, ohne Konsistenz zu verlieren, und eine Marke schafft, die sich ebenso zeitgemäß wie dauerhaft anfühlt. Norwegian ist damit nicht mehr nur eine weitere Airline, sondern ein Symbol modernen skandinavischen Designs, angewandt auf eine globale Markenerfahrung.

https://awards.europeandesign.org/winner/261176

Binde. 100–10 — Alexey Murashko

Gewinner des Gold Award 2025 in der Kategorie Artistic Catalogue: Das Projekt „Binde. 100–10“ von Alexey Murashko ist ein monumentales Editorial-Werk, das die Laufbahn des lettischen Fotografen Gunārs Binde feiert, eines der einflussreichsten Namen der europäischen Fotografie des 20. Jahrhunderts. Die Publikation, als lebendige Hommage konzipiert, verbindet Struktur, Materialität und visuelle Narrative zu einem vielschichtigen Porträt: des Künstlers, seiner Zeit und seines Blicks.

Das Buch entstand zum 90. Geburtstag Bindes und versammelt eine umfangreiche Auswahl seiner Fotografien, kritische Essays und unveröffentlichte Interviews. Angesichts einer überwältigenden Materialfülle wählte Murashko eine Designlösung, die den Inhalt in fünf Sektionen organisiert, klar strukturiert und mit physischem Rhythmus. Jeder Block wird durch graue Signatures auf schwererem Papier getrennt, wodurch der Wechsel von einer Sektion zur nächsten zu einer taktilen, beinahe filmischen Geste wird.

Das Werk eröffnet mit einer Reihe fotografischer Experimente, in Silber auf schwarzem Papier gedruckt, einer poetischen Anspielung auf die lichtempfindlichen Substanzen, aus denen die analoge Fotografie hervorging. Diese Entscheidung ist nicht nur technisch, sondern konzeptuell: Sie setzt Bindes Werk in Dialog mit dem 21. Jahrhundert und zeigt seine Aktualität sowie seine Fähigkeit, sich über die Zeit hinweg neu zu erfinden. Viele dieser Bilder waren nie zuvor veröffentlicht worden, was dem Band eine Aura der Entdeckung verleiht.

Die drei Hauptsektionen sind wie eine visuelle Erzählung in drei Akten aufgebaut: „Der bekannte Binde“, gewidmet seinen berühmten Porträts, Akten und erotischen Fotografien; „Mythen und Momente“, eine symbolische Erkundung von Ideologie, Religion und Spannungen zwischen Macht und Natur; und „Innerer Kreis“, der persönliche Porträts, Selbstporträts und intime Szenen zusammenführt, die die menschlichste Seite des Künstlers sichtbar machen. Jede Serie wird mit lateinischen Buchstaben gekennzeichnet —eine offene Struktur, die die Möglichkeit künftiger Editionen und Fortführungen des Archivs andeutet.

Das Editorial Design verbindet technische Strenge und materielle Sensibilität. Text- und Essaysektionen werden auf ungestrichenem Papier mit zweifacher schwarzer Tinte hoher Dichte gedruckt, was Lesbarkeit und die taktile Beziehung zum Bild stärkt. Im Kontrast dazu verwenden die fotografischen Sektionen Vierfarbdruck auf gestrichenem Papier mit glänzendem Lack und erzeugen einen extremen Kontrast, der an die für Bindes Stil charakteristischen silbrigen Fotokopien erinnert. Der gesamte Band wurde mit stochastischem Raster gedruckt, einer Technik, die selbst in Miniaturen außergewöhnliche Definition ohne sichtbare Rastermuster ermöglicht.

Das Ergebnis ist weit mehr als ein Katalog: Es ist eine gedruckte Skulptur, die Gewicht, Proportion und Textur ausbalanciert, um einen Künstler zu ehren, dessen Werk stets zwischen Ironie und Sinnlichkeit oszillierte. Wie das Redaktionsteam formuliert: „Binde. 100–10 dokumentiert nicht nur eine Karriere, sondern interpretiert sie aus der Gegenwart neu und verwandelt Erinnerung in lebendige Materie“.

Die Jury lobte die technische und konzeptionelle Meisterschaft und betonte, wie jede Designentscheidung —vom Papier bis zur Typografie— der fotografischen Erzählung dient. Dieses Projekt zeigt, dass Editorial Design weiterhin eine der stärksten Sprachen ist, um Kunst zu erzählen: ein Raum, in dem Form, Inhalt und Zeit mit derselben Präzision dialogisieren wie Licht in einer Dunkelkammer.

https://awards.europeandesign.org/winner/261324

Google Sans Flex — Studio Dumbar/DEPT®

Gewinner des Silver Award 2025 in der Kategorie Typographic Applications: Das Projekt „Google Sans Flex — Pushing the Boundaries“ von Studio Dumbar/DEPT® steht für eine der spannendsten Kollaborationen zwischen Design, Technologie und zeitgenössischer Typografie. Beauftragt von Google Design, erkundete das niederländische Studio die expressiven Möglichkeiten von Google Sans Flex, der neuen variablen Schrift des Technologiekonzerns, in einer Reihe visueller und klanglicher Experimente, die die Grenzen grafischer Sprache herausfordern.

Das Projekt folgt einem zentralen Konzept: „Action and Reaction“. Jede Interaktion mit der Typografie erzeugt eine einzigartige Reaktion —eine Veränderung von Gewicht, Farbe, Bewegung oder sogar Klang— und testet so die Flexibilität der Schrift und ihr Potenzial als dynamisches System. Weit davon entfernt, eine reine technische Demonstration zu sein, verwandelt Studio Dumbar Typografie in einen lebendigen Organismus, sensibel für Kontext und Intention der Botschaft.

Das Ergebnis ist eine immersive visuelle Erkundung, die zeigt, wie variable Technologie digitale Identität transformieren kann. Durch Animationen, Modulationen und typografische Übergänge schuf das Team eine Sprache in ständiger Mutation, in der Buchstaben sich wie Materie in Bewegung verhalten. Jedes Element des Projekts ist eine Studie über die Beziehung zwischen Form und Reaktion, in der Typografie nicht mehr statisch ist, sondern zu einer interaktiven Erfahrung wird.

Diese Experimentation hatte auch eine klangliche Dimension: Indem visuelle Veränderungen mit auditiven Reizen verbunden wurden, erzeugte das Studio ein multisensorisches System, das die Idee von Aktion und Reaktion verstärkt. Typografie verhält sich damit wie ein Interface, das Emotionen und Nuancen tiefer vermitteln kann. Die Jury hob genau diese Fähigkeit hervor, die traditionelle Funktion der Schrift zu überschreiten und neue Formen visueller Narrative zu erforschen.

Die Arbeit von Studio Dumbar/DEPT® bündelt Jahrzehnte der Forschung zu typografischer Bewegung, digitaler Identität und grafischer Animation. Ihre Interpretation von Google Sans Flex zeigt, dass die Typografie der Zukunft nicht nur lesbar, sondern auch reaktiv, anpassungsfähig und emotional sein wird. Diese Vision passt zur Philosophie von Google Design, die Rolle des Designs als Brücke zwischen Kommunikation und Technologie zu erweitern.

Über das typografische Labor hinaus stellt das Projekt eine zentrale Frage für zeitgenössisches Design: Wie kann eine Schrift zu einer Erfahrung werden? Die Antwort liegt in dieser Arbeit, die nicht nur die Grenzen des typografischen Designs verschiebt, sondern auch die des kreativen Denkens. In den eigenen Worten des Projekts: „Flex ist nicht nur eine Schrift. Es ist ein Gespräch zwischen dem, was wir sagen, und der Art, wie wir es zeigen.“

Fazit: Design als Sprache der Zukunft

Wenn diese zehn Projekte etwas verbindet, dann ihre Fähigkeit, über die Form hinauszudenken. Jedes von ihnen zeigt aus seinem jeweiligen Kontext und seiner Disziplin heraus, dass Grafikdesign nicht nur eine Frage der Ästhetik ist, sondern eine Art, die Welt zu denken. Ob soziale Kampagne, die Wahrnehmungen herausfordert, visuelle Identität, die Generationen verbindet, oder Typografie, die auf Klang reagiert: Design bleibt ein Werkzeug, um zu interpretieren, zu verbinden und zu transformieren.

In einer Zeit, in der Automatisierung und künstliche Intelligenz jeden Raum zu besetzen scheinen, erinnern diese Projekte daran, dass das Wesentliche des Designs menschlich bleibt: Empathie, Intention und die Fähigkeit, Geschichten mit Seele zu erzählen. Technologie erweitert unsere Hände, aber Sensibilität gibt dem Ergebnis Sinn.

Die Zukunft des Grafikdesigns —die wir bereits gestalten— wird hybrider, kollaborativer und bewusster sein. Entscheidend wird weniger sein, ein Werkzeug zu beherrschen, sondern zu verstehen, wie eine Idee realen Wert für Menschen und Gemeinschaften schaffen kann. In dieser Suche festigt sich die Rolle des Designers als Vermittler zwischen Denken und Emotion, zwischen Daten und Schönheit.

Bei Code Barcelona glauben wir weiterhin, dass gutes Design nicht nur kommuniziert: Es entwickelt die visuelle Kultur einer Epoche weiter. Diese Projekte sind ein Beleg dafür. Sie sind Signale dafür, wohin sich zeitgenössische Kreativität bewegt und wie Design in seiner besten Form weiterhin eine greifbare Form von Hoffnung bleibt.